Работа над кантиленой на уроке фортепиано

Говоря простыми словами, кантилена – это напевность, умение “петь на фортепиано”.

Для пианиста владение кантиленой – одна из важнейших сторон техники. Красивый,

певучий звук – это душа музыки. Я как преподаватель с большим стажем убеждена,

что звуковая выразительность (певучесть) – важнейшее исполнительское средство для

передачи образа произведения. Поэтому с первых уроков уделяю внимание развитию

у детей мягкого, протяжного звука на инструменте.

Учимся у певцов. Часто я напоминаю: “Играя мелодию, представь, что ты её поёшь”.

Великие пианисты (Г. Г. Нейгауз, К. Н. Игумнов и др.) писали, что хорошему,

выразительному исполнению нужно учиться у вокалистов. Я рассказываю детям

высказывание Ф. Э. Баха: «Очень полезно для правильного исполнения фразы пропеть

её себе самому. Этим путём всегда большему научишься, чем из книг». Мы

действительно часто поём мелодию вслух – перед тем как её играть. Если ребенок

стесняется петь, прошу хотя бы “пропеть внутренним слухом” – представить, что

пианино поёт. Такой подход помогает избежать механического, невыразительного

звукоизвлечения.

Эмоциональность и образность. Поскольку мои ученики – дети, для них крайне

важно понять эмоции музыки. Перед разучиванием кантиленной пьесы мы

обязательно беседуем: “О чём эта мелодия? Какое настроение в ней слышится?” Я

поощряю придумывать ассоциации – например, сравнить мелодию с колыбельной

песней, с плавно текущей рекой или с полётом птицы. Удачные метафоры и образы

буквально преображают исполнение ребёнка. Иногда придумываем небольшой сюжет

или подкладываем слова к мелодии (подтекстовка), если это уместно. Всё это

развивает воображение ученика. Он начинает чувствовать дыхание музыки, у него

возникает естественное желание “запеть пальцами” на фортепиано. Я убеждена, что

без эмоционального отношения к мелодии невозможно воспитать настоящую

музыкальность. Поэтому на уроках кантилены царит атмосфера художественного

поиска: мы вместе с учеником переживаем музыку.

Практические приёмы для развития кантилены: В работе над певучим звуком я

использую такие методы и упражнения:

●

Фортепиано как голос: С самого начала объясняю, как добиться певучего

legato. Ребёнок учится связывать ноты плавно, словно вытягивая звук из

инструмента. Мы работаем над тем, чтобы каждый звук “дослушивать” до

конца, не обрывать его преждевременно. Для этого сначала играем мелодию non

legato – отпуская каждый звук, прислушиваясь к его затуханию, – а затем

переходим к полному legato, добиваясь плавного перетекания одного звука в

другой. Я объясняю: при игре legato пальцы должны как бы “приклеиваться” к

клавишам.

●

Качественный показ педагога: Ничто так не убеждает ребенка, как живой

пример. Я всегда показываю фразы кантилены на инструменте сама –

максимально выразительно. Часто вижу: стоило педагогу красиво сыграть, как у

ученика загораются глаза и появляется импульс повторить так же. Иногда я даже

использую тактильный метод: прошу ребенка положить руки мне на кисти, и

играю фразу, чтобы он физически почувствовал, как моя рука “дышит” на

каждой ноте. Этот приём “из рук в руки” производит сильное впечатление –

ребенок понимает, какой вес и движение нужны для певучего звука.

●

Упражнения на слух и звук: Развиваем тонкость слуха к качеству звучания. Я

учу ученика вслушиваться в окраску звука при разной атаке клавиши. Мы

экспериментируем: если нажать клавишу слишком медленно и осторожно –

звука почти нет (я называю это “ещё не звук”), а если слишком резко ударить –

получится некрасивый резкий тон или просто стук (“уже не звук”). Между

этими крайностями – бесконечное богатство градаций звучания. Ученик пробует

разные варианты, и я прошу его найти такой способ нажатия, чтобы звук

“запел”. Например, играем одну ноту и добиваемся, чтобы она прозвучала

мягко, округло, без призвуков. Эти эксперименты учат контролировать нажатие

клавиши.

●

“Поём” мелодию разными средствами: Я часто предлагаю спеть мелодию

голосом, прежде чем играть на фортепиано. Можно пропевать её на гласный “а”

или с придуманным текстом. Потом – сыграть ту же мелодию, стараясь передать

на фортепиано все нюансы, которые были в пении (дыхание, динамику,

протяжность фраз). Также обратный приём: когда мелодия выучена на пианино,

сыграть её, шевеля губами, как бы “артикулируя” беззвучно слова. Это помогает

прочувствовать фразу цельно. Такие перекрестные упражнения сближают игру с

пением и обогащают звук.

●

Народные мелодии вместо гамм: На первых порах я предпочитаю вместо

сухих гамм использовать песенные мелодии для развития кантилены. В отличие

от упражнений, народные песенки сразу затрагивают чувства ребенка – их

хочется петь. Мы разучиваем, например, простую колыбельную или детскую

песенку: сначала поём, потом ищем на клавиатуре те же звуки, добиваясь чтобы

фортепиано приблизилось по выразительности к голосу. Такой подход развивает

эмоциональность и навык “горизонтального” мышления, умение видеть

мелодию как протяжённую линию.

●

Контроль дыхания (условного): Хотя пианист не дышит звуком, я всё равно

объясняю понятие “музыкального дыхания” – это ощущение естественных пауз

и фразировки, как взятие дыхания у певца. Мы размечаем фразы, где бы

вокалист взял дыхание, и стараемся делать там едва заметные разделы. Паузы

между фразами не должны разрушать целостность мелодии. Ребёнок осознаёт,

что нельзя прерывать фразу посередине – нужно “петь до точки”. Это

дисциплинирует и придаёт музыке цельность.

Технические аспекты кантилены (аппликатура и касание). Отдельно на уроках

разбираем, как пальцы влияют на плавность мелодии. Я объясняю: правильная

аппликатура – залог цельной фразы. В кантилене есть свои секреты: опыт показывает,

что 3-й, 4-й и 5-й пальцы руки дают более мягкий и связный звук, чем короче и тверже

1-й (большой) палец. Поэтому, когда возможно, мы избегаем часто играть мелодию

первым пальцем. Великий педагог Ф. Блуменфельд советовал: “в мягкой лирической

кантилене как можно реже употреблять непевучий 1-й палец”. Лучше перекладывать

мелодию с 3-го на 4-й или 5-й, чем делать замены с участием большого пальца.

Например, в “Старинной французской песенке” Чайковского вместо традиционной

аппликатуры с подкладкой первого пальца мы выбрали вариант, где используются 3-4-

5 пальцы – и мелодия сразу зазвучала гораздо более слитно. Конечно, это не значит,

что 1-й палец табу – если нужна акцентуированная нота или густое звучание, без него

не обойтись. Но в целом ученик должен понимать, что частая смена пальца на одной

ноте (подкладывание первого пальца) может создавать нежелательный толчок в звуке.

Мы тренируемся делать такие замены незаметно, “бережно”, если они уж

необходимы.

Другой момент – особый приём нажатия клавиши. Я делюсь с учениками образными

советами знаменитых пианистов. Г.М. Коган писал, что певучесть достигается особым

нажимом: не ударять по клавише, а сначала “нащупать” её поверхность,

“приклеиться” к ней подушечкой пальца, затем надавливать, как будто рука медленно

погружается в клавиатуру до самого дна. Г.Г. Нейгауз сравнивал это ощущение с тем,

будто палец “прорастает в клавишу” до самого дна инструмента – тогда звук выходит

проникновенным. Для детей я перевожу эти образы на понятный язык: например,

привожу совет С. Тальберга “мешать тесто пальцами” – то есть мягко вдавливать

клавишу, без резких ударов. Мы вместе пробуем такой способ игры, и ученики

чувствуют разницу: звук становится более полётным и певучим. Я учу их: прежде чем

извлечь звук, вообрази, что палец — это твой голос, и ты посылаешь этот звук вперёд.

Тогда и рука сама найдёт нужное движение – плавное, округлое, без излишней

напряжённости.

Слушать себя. Воспитывая кантилену, я беспрестанно повторяю: слушай, что ты

играешь. Не то, что “кажется” в голове, а реальное звучание. Для этого полезно

записать исполнение и послушать – но на уроке проще поиграть с закрытыми глазами.

Мы иногда так и делаем: ученик закрывает глаза и играет мелодию, концентрируясь

только на слухе. Это моментально обостряет восприятие – исчезают лишние

визуальные отвлекающие факторы, и ребёнок начинает слышать, насколько плавно он

связывает ноты, не “дышит” ли инструмент где не надо, ровный ли тон. Умение себя

слушать – основа пианистического мастерства, и кантилена – лучшая школа для этого.

Постепенно ребенок привыкает сам оценивать качество звука и стремится сделать

лучше.

В итоге систематическая работа над кантиленой приносит прекрасные плоды. Ученики

начинают любить петь на фортепиано. Их звук становится богаче, они чутче относятся

к каждой фразе. Развиваются и технические аспекты – появляется свободность руки,

контроль дыхания фразы, чувство протяжённости линии. Все эти навыки затем

переносятся и на другие виды музыки. Кантилена обогащает душу исполнителя:

ребенок учится глубокому переживанию мелодии, развивает художественный вкус. И

для меня, как педагога, нет большего счастья, чем видеть, как под пальцами моего

ученика рояль поёт.