СРЕДСТВА ИСПОЛНИТЕЛЬСКОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ

Говоря о хоровой технике, об элементах вокально-хоровой звучности, нельзя

забывать о том, что хоровая культура – часть общей музыкальной культуры, а

хоровое

исполнительство

–

всего

лишь

один

из

видов

музыкального

исполнительства, отличающийся спецификой «инструмента». С этой точки звучания

и

другие

качества

хора

–

это

только

предпосылки

успешного

исполнения,

но

отнюдь

не

самоцель.

Даже

обладая

прекрасным,

отлично

настроенным

инструментом, можно быть плохим исполнителем.

«Жизнь музыкального произведения – в его исполнении, то есть в раскрытии

его

смысла

через

интонирование

для

слушателей».

В

этих

словах

академика

Б.В.Асафьева

точно

сформулировано

значение

исполнителя

в

музыкальном

искусстве.

Только

с

момента

исполнения,

которое

должно

быть

органическим

продолжением

и

завершением

композиторского

замысла,

начинается

роль

исполнителя в музыке, которого можно назвать соавтором произведения. Под

словами

«исполнительство»,

«исполнительское

творчество»

понимается

не

простая

репродукция

чего-то

готового,

а

особого

рода

созидание,

активно

интерпретирующее

исполняемое

художественное

произведение.

Поэтому

исполнительская

деятельность

является

полноценным

видом

художественного

творчества

наряду

с

деятельностью

композитора,

писателя,

драматурга.

Исполнение

есть

как

бы

вторичное

отражение

действительности,

творческое

воспроизведение первичного отражения.

Образы,

созданные

композитором,

в

исполнительском

воплощении

приобретают

черты,

определяющиеся

мировоззрением

исполнителя,

его

индивидуальностью,

творческой

манерой,

художественным

вкусом,

темпераментом. В зависимости от своего индивидуального склада исполнитель

подчеркивает те или иные черты первичного образа и привносит в него нечто свое,

переводя его в качественно новое состояние – исполнительский художественный

образ. Самостоятельность исполнительского художественного образа, разумеется,

относительно. Однако в нем могут выявиться такие ценности, которых не было в

первичном образе.

Наличие

художественной

интерпретации

и

составляет

специфику

исполнительского

творчества.

Она

зиждется

на

важнейшей

особенности

первичного художественного образа – его многозначности, дающей возможность

исполнителю

предложить

слушателю

несколько

вариантов

исполнительского

прочтения сочинения.

В процессе художественного исполнения можно выделить два этапа. Первый

– формирование исполнительского замысла, второй – реализация этого замысла.

Какими

же

средствами

реализации

замысла

располагает

исполнитель?

Известно,

что

музыка

передает

содержание

произведения

при

помощи

звука,

используя его четыре физических свойства: высоту, длительность (протяженность),

силу (громкость) и тембр, а также длительности (темпоритм).

Сильным

средством

выразительности

является

темп.

Для

исполнителя

прежде всего важно осознать, что темп – это определенная сфера образов, эмоций,

настроений,

неразрывно

связанная

с

целостным

восприятием

музыки,

ее

характером.

Не

случайно

поэтому

большинство

терминов,

употребляемых

в

качестве темповых обозначений и лишь косвенно указывая на скорость, передают

в основном то или иное состояние. Медленные темпы – отражение спокойствия,

торжественности, величественности; средние – сдержанности, сосредоточенности,

размеренности; быстрые – пылкости, порывистости, живости, взволнованности.

Иначе говоря, представление о темпе является в основном качественным, а не

количественным.

Для того чтобы установить верный темп исполнения, необходимо понять, что

он самым непосредственным образом связан с гармонией, ладом, мелодикой,

ритмом, формой, фактурой произведения. Однако не всегда один и тот же темп

сохраняется

на

протяжении

всего

произведения.

Изменение

темпа

во

время

исполнения – важнейшее средство художественной выразительности.

Столь

же

непосредственно

влияние

на

темп

характера

мелодии.

Мелодический

рисунок,

изобилующий

широкими

скачками,

хроматизмами,

задержаниями,

требует

для

отчетливости

его

восприятия

более

медленного

движения.

Повторение

звука

в

более

или

менее

равномерном

движении,

в

медленном

темпе

создает

впечатление

монотонности.

Наоборот,

быстрая

репетиция звука обычно вызывает ощущение энергии и потому чаще всего служит

для воплощения взволнованности, настороженности или оживления.

Существует

взаимосвязь

регистра

и

темпа.

Произведения,

в

которых

используются

главным

образом

низкие

регистры,

требуют

обычно

более

медленного

движения

для

отчетливости

эффекта.

Обусловлено

это

важной

особенностью нашего слуха – неодинаковой чувствительностью к звукам разной

частоты, восприятием высокого звука как более полетного, звонкого и ясного, а

низкого как более тусклого и тихого.

Темп

исполнения

связан

и

с

фактурой

изложения.

Плотная,

массивная

фактура, естественно, требует более медленного темпа, чем легкая и прозрачная.

Из

содержания

музыкального

произведения

и

анализа

используемых

композитором средств и композиционных приемов исполнитель может вывести

наиболее органичный темпоритм. При этом особое внимание следует обращать на

степень важности, содержательности, значимости этих средств.

Средством исполнительской выразительности, имеющим отношение к темпу,

является полная остановка движения музыки в каком-либо месте произведения.

Она

носит

название

ферматы,

обозначается

значком,

стоящим

над

нотой

или

паузой. Мера выдерживания ферматы не имеет какой-то одной определенной

нормы и зависит от ее расположения во фразе, назначения, смысла, характера и

темпа

движения

музыки

и

других

причин.

Наиболее

типичны

три

случая

использования ферматы: в конце, в начале и в середине произведения или его

части. Фермата в конце сочинения выражает завершающий момент постепенного

успокоения, замирания движения. Применяется фермата и как начальный пункт, из

которого разворачивается более быстрое движение. Таковы, например, начала

многих игровых и плясовых песен («Пойду ль я, выйду ль я», «Про комара»,

«Веники» и др.). Использование ферматы в середине построения обычно связано

со

стремлением

исполнителя

продлить

мгновение

наивысшей

динамической

напряженности,

подчеркнуть

кульминационный

звук

мелодии,

смысловую

вершину («Дороги» А.Новикова, вальс в обработке В Соколова «Амурские волны» и

другие).

Не менее часто в исполнительской практике встречается фермата на паузе.

Здесь ее роль сходна с ролью психологической паузы в искусстве художественного

слова. К сожалению, в хоровом исполнительстве фермата нередко используется в

отрыве от содержания произведения, преследуя цель продемонстрировать красоту

звука

или

аккорда.

Такие

приемы

возможны

и

необходимы

в

репетиционной

работе

при

выравнивании

интонации,

выстраивания

аккорда,

но

совершенно

недопустимы в ходе концертного исполнения. Большое значение при исполнении

ферматы

имеют

музыкальность

и

чувство

художественной

меры

у

самого

дирижера.

Другим важным средством художественной выразительности в музыкальном

исполнительстве является динамика.

Основные

объективные

предпосылки

выразительных

возможностей

динамики

в

музыке

очевидны.

Громкие

звуки

при

равных

условиях

больше

возбуждают,

раздражают

нежели

тихие;

извлечение

громкого

звука

требует

большого напряжения, большей затраты энергии. Поэтому усиление звука обычно

связывается

с

нарастанием

напряжения,

а

ослабление

–

с

затуханием,

успокоением.

И

если

область piano

применяется,

например,

для

выражения

спокойного,

созерцательного

настроения,

состояния

сдержанности

,

еще

не

развернувшегося

развития,

то

область forte,

передает

настроение

радости,

торжества, грандиозности, широты.

Нельзя упускать из виду еще одну предпосылку выразительности динамики,

на

которой

основываются

некоторые

изобразительные

эффекты

в

музыке,

-

ассоциацию

усиления

с

приближением

источника

звука

и

ослабления

с

его

удалением.

Способность

тихого

звука

настораживать

человека

как

возможный

признак

опасности,

сама

специфика

его

восприятия,

требующая

напряженного

внимания,

явилась

предпосылкой

использования

очень

тихой

звучности

для

передачи затаенного, настороженного настроя музыки.

Известно

также,

что

резкие

динамические

сопоставления

обычно

ассоциируются с внезапной сменой событий, вторгающихся в спокойное развитие.

Отсюда

их

частое

использование

при

изложении

контрастных

музыкальных

образов.

Напротив,

относительно

устойчивый

уровень

громкости,

отсутствие

резких

колебаний

способствуют

созданию

спокойного

музыкального

образа.

Довольно

часто

одновременно

с

темповыми

изменениями

исполнители

применяют

изменения

динамики.

Наиболее

распространен

своеобразный

параллелизм: ускорение на crescendo и замедление на diminuendo. В музыкально-

образном

отношении

такой

параллелизм

способствует

эмоционально

гибкому

музыкальному развитию и используется обычно для выражения экспрессивных,

увлекающих

все

в

своем

движении

чувств.

Не

менее

часто

встречается

противоположная

форма

–

контрастное

сочетание

замедления

с crescendoи

ускорения сdiminuendo.

Один и тот же темп может подходить для одних условий исполнения и быть

неприемлем для других. Ясно лишь, что музыкально-исполнительская речь должна

протекать в таком темпе, который с предельной ясностью и выразительностью

передает

мысль

композитора

и

характер

музыкальных

образов.

Главное

почувствовать

пульс

музыки,

соотношение

длительностей

звуков

в

движении,

выразительную игру акцентов. Все это составляет сущность чувства ритма, без

которого истинно живое исполнение невозможно. Не случайно ритм музыкального

произведения

и

исполнительский

ритм

часто

сравнивают

с

пульсом

живого

организма. В сквозной темпоритм исполнения входят также и паузы. К сожалению,

далеко

не

все

музыканты

понимают,

что

пауза

–

это

элемент,

художественно

равноценный звуку.

К

средствам

художественной

выразительности

относятся

также

нюансы.

Необходимость

изменения

силы

звучания

определяется

содержанием

произведения, смыслом и значением отдельных музыкальных построений.

Работая

над

динамикой,

необходимо

учитывать,

что

обозначенный

композитором нюанс вовсе не обязательно выдерживается с начала и до конца

фразы,

такта

или

мотива.

Ведь

динамические

нюансы

–

это

не

рассудочное

измерение силы звука, а живое дыхание музыкальной речи, помогающее передать

тончайшие

оттенки

человеческих

переживаний.

Число

таких

оттенков

беспредельно, как беспредельно разнообразие динамических нюансов. По сути

дела,

музыкальное

исполнение

представляет

собой

цепь

контрастных

сопоставлений, нарастаний и затуханий звучности, фразировки, жанром, стилем, а

также

такими

выразительными

и

содержательными

элементами

его

языка,

например,

динамическое

противопоставление

повторяющихся

мотивов,

фраз,

предложений.

Большое значение имеет динамика в песнях куплетного строения, где она

зависит

от

содержания

текста.

Еще

большую

трудность

представляет

для

исполнителя внезапная смена нюансов.

Воздействие на слушателя тембра, как и динамики, очень непосредственно и

сильно. Он может успокаивать, утомлять, раздражать, восприниматься как теплый

или

холодный,

ласковый

или

суровый,

звонкий

или

скрипучий.

Тембр,

таким

образом, является категорией в основном качественно, а не количественной. В

хоровой

практике

под

тембром

чаще

всего

понимают

определенную

окраску

голосов, хоровых партий и всего хора, певческую манеру.

Существуют

и

более

тонкие

модификации

тембра

в

зависимости

от

содержания, настроения поэтического и музыкального текста и в конечном счете от

чувства,

которое

требуется

выразить.

Ясность

подачи

текста

облегчает

слушательское восприятие исполнения хорового произведения. Для того чтобы

дикция служила целям художественно-выразительного исполнения, необходимо

применение ее во всем разнообразии.

Исполнительское

произношение

мелодии

с

той

или

иной

степенью

связанности или расчлененности составляющих ее тонов конкретно реализуется в

штрихах – приемах извлечение и ведения звука. Функции штрихов многообразны и

тесно

связаны

с

ритмическими,

динамическими,

тембровыми

и

некоторыми

другими музыкально-выразительными средствами, а также с общим характером

музыкального произведения, пространственными и другими изобразительными

моментами. Выбор штриха может зависеть от того, нужно ли включить в звучание

тяжесть

или

легкость,

близость

или

отдаленность,

патетику

или

лиризм,

восклицание или спокойную повествовательность.

Штрихи

обладают

ярко

выраженными

формообразующими

функциями.

Применением контрастаlegatoи staccato можно подчеркивать противопоставление

мотивов, фраз, предположений, периодов. Каждый штрих, взятый в отдельности,

имеет массу оттенков, различных по характеру.

Каждый

из

исполнительских

приемов

–

агогический,

динамический,

тембровый, артикуляционный – сам по себе не решает проблему выразительного

пения. Главное, от чего зависит выразительность исполнения – это фразировка, т.е.

способ сочетания звуков, слияния их в интонации, фразы, предложения, периоды.

Правда, это объединение звуков в законченные музыкальные фразы и членение

фраз осуществляется именно при помощи темповых, динамических и тембровых

изменений, цезур, дыханий, штрихов. Естественно, что та или иная фразировка

сочинения зависит в большей степени от его структурного строения, деления на

периоды,

предложения,

фразы,

мотивы.

Поэтому

исполнителю

очень

важно

определить

протяженность

фраз

и

предложений,

их

границы.

Структура

предложения часто определяет направление фразы, линию развития музыкальной

мысли, определяет местонахождение цезур, дыханий и т.д.. Одна из главных задач

анализа

формы

научить

исполнителя

строить

фразу

на

основе

изучения

ее

структуры.

Очень важный момент – правильное распределение певческого дыхания и

динамики.

Для

того

чтобы

фразировка

была

убедительной

и

выразительной,

исполнителю необходимо отличать звуки и интонации, в которых заключена суть

музыкальной мысли, от звуков, которые нельзя подчеркивать, иначе музыкальная

речь

перестанет

жить.

Именно

из-за

того,

что

исполнители

зачастую

не

представляют

себе

вершину,

к

которой

стремится

фраза,

в

их

пении

нет

подлинного движения, они топчутся на месте, задерживаются на отдельных звуках.

Прием,

способствующий

исполнению

хорового

сочинения

с

учетом

строения

музыкальной речи и делающий это исполнение более понятным и выразительным,

называется фразировкой. При этом исполнение музыкальных построений должно

осуществляться

путем

оттенения

кульминаций

фраз

и

разделения

построений,

согласно

замыслу

композитора,

едва

заметной

паузой

или

дыханием.

Такие

разделительные грани между музыкальными построениями называются цезурами.

Так

же

как

нельзя

выразительно

прочитать

текст

песни,

не

соблюдая

знаков

препинания,

нельзя

выразительно

спеть

и

ее

мелодию,

не

соблюдая

цезур.

Выполнение цезуры как средства художественной выразительности нужно считать

непременным

условием

художественного

исполнения

произведения.

Ансамбль

также является средством художественной выразительности.

На выразительность исполнения хорового произведения влияет и отношение

самих певцов к исполняемому произведению. Каждый из них должен знать, что

содержание

музыки

и

текста

обуславливает

определенный

характер

звучания

сочинения:

героический,

веселый,

грустный,

лирический.

Понимание

произведения,

проникновение

в

его

содержание

будут

способствовать

выразительности

исполнения.

Желание

хорошо

и

правильно

исполнить

произведение

должно

отразиться

также

и

на

внешнем

поведении

во

время

исполнения.

Нужно

всегда

помнить,

что

исполнению

любых,

самых

различных

по

характеру

произведений

должно

сопутствовать

вдохновение,

основанное

на

понимании содержания музыкального произведения и правильном применении

средств художественной выразительности.