Министерство культуры Республики Башкортостан

Республиканский учебно-методический центр

Муниципальное бюджетное учреждение

дополнительного образования детей ДМШ №6

Габдуллина Гузель Рафисовна

«Работа с ансамблем в детской музыкальной школе»

МЕТОДИЧЕСКАЯ РАБОТА

2

Уфа-2014

Ансамбль [ фр. ensemble, букв. – вместе]. В музыкальном словаре А.

Н. Должанского даются следующие определения ансамбля:

Группа из двух и более музыкантов – певцов или инструменталистов, -

совместно исполняющих музыкальное произведение. По количеству музыкантов

ансамбли разделяются на дуэты, трио (терцеты), квартеты, квинтеты, секстеты,

септеты, октеты, нонеты, дециметы; к ансамблям относятся также хоры и оркестры.

Пьеса, предназначенная для исполнения несколькими участниками.

Совместное

исполнение

пьесы

несколькими

участниками.

Выражение

“хороший ансамбль” означает стройное, сливающееся в единое целое звучание

участвующих в ансамбле голосов или инструментов. Ансамбль имеет большое

значение для разностороннего музыкального воспитания учащихся.

Известно, ансамблевая игра значительно расширяет музыкальный кругозор

учащегося, развивает такие качества, необходимые музыканту, как умение слушать

не

только

собственное

исполнение,

но

и

партнера,

общее

звучание

всей

музыкальной ткани пьесы; воспитывает умение увлечь своим замыслом товарища,

а когда это необходимо подчиниться его воле; активизирует фантазию и творческое

начало;

заостряет

ощущение

звукового

колорита;

повышает

чувство

долга

и

ответственности за знание своей партии, ибо совместное исполнительство требует

свободного владения текстом, прививает учащимся чувство товарищества.

Особенностью

ансамблевого

музицирования

является

воспитание

чувства

ответственности учащихся за качество освоения собственной партии, достижение

исполнителями точности в темпе, ритме, штрихах, динамике, агогике, специфике

тембрового

звучания,

что

способствует

созданию

единства

и

целостности

музыкально-художественного образа исполняемого произведения.

1

К

основным

ансамблевым

навыкам

можно

отнести

“чувство

партнера”,

умение

слышать

солиста

и

помогать

ему

в

воплощении

исполнительских

намерений,

навыки

самоконтроля

и

самооценки

собственных

и

коллективных

игровых действий.

Одинаковые

ощущения

характера

и

темпа

произведения,

соответствие

приемов звукоизвлечения – именно эти требования являются важнейшими для

совместной игры. Игра в ансамбле требует от учащихся также умения передавать

партнеру

мелодию, сопровождение, пассаж, не разрывая при этом музыкальной

ткани.

Освоение первоначальных навыков игры в ансамбле происходит с первых

шагов обучения в инструментальном классе. В начале – это ансамбль ученика и

педагога,

когда

ученик

исполняет

мелодию,

а

педагог

аккомпанирует,

затем

партиями меняются: простейший аккомпанемент поручается самому ученику, для

того, чтобы научить его гибко сопровождать мелодию, исполняемую педагогом. В

процессе такой работы ученик приобретает первоначальные ансамблевые навыки:

“солирования” - когда нужно ярче выявить свою партию, и “аккомпанирования” -

умения отойти на второй план ради единого целого.

На наш взгляд наиболее

подходят такие произведения, как русские народные песни “Солнышко”, “Заинька”,

“Выйди, радуга-дуга”, “Как у наших у ворот” (солирует ученик); следующая группа

произведений, где ученик сопровождает игру учителя: “Ерема оглянулся”, “Радуга-

дуга” и т.п. В дальнейшем – ансамбли (дуэты) формируются из учащихся.

2

Любой

учебный

детский

коллектив

музыкальной

школы

является

исполнительским

коллективом,

объединенным

и

организованным

творческими

целями и задачами. На занятиях ансамблем овладевают и совершенствуют, наряду с

занятиями музыкальным инструментом, исполнительскую технику и навыки игры

на

своем

инструменте.

Кроме

того,

у

учащихся

развивается

музыкально-

эстетический вкус и эстетическое отношение к музыкальному искусству. Любой

учебный

детский

коллектив

музыкальной

школы

является

исполнительским

коллективом, объединенным и организованным творческими целями и задачами.

Поэтому

итогом

проделанной

работы

могут

быть

выступления

на

классном,

учебном, школьном концерте. Очень важно, что коллективные выступления дают

возможность играть на сцене детям с разными музыкальными данными, делают их

более уверенными в своих силах.

Приступая к работе над ансамблем, педагог должен, прежде всего, рассказать

об исполняемом произведении, дать учащимся общее представление о характере

его

музыкального

содержания,

форме,

о

значении

и

функции

каждой

партии,

познакомить с автором.

Вначале с каждым участником ансамбля нужно проучить его партию. При

работе над ансамблевым исполнением, педагогу необходимо обратить внимание на

то, чтобы ясно прослушивалась основная мелодическая линия, чтобы фактура не

заглушала мелодию, а бас служил хорошей метроритмической основой. Очень

важно

определить

правильный

темп

ансамблевого

произведения,

тщательно

отработать все указанные в тексте замедления и ускорения темпа. Как правило,

всеми отклонениями темпа “руководит” ученик, исполняющий первую партию.

Несомненно,

подбор

репертуара

для

ансамблей

представляет

собой

наибольшую

трудность.

Важное

значение

в

этом

случае

приобретает

умение

педагога быстро переложить на ансамбль любое музыкальное произведение.

3

Как правило, сборники пьес для ансамблей

адресованы учащимся 3 – 5

классов, уже обладающим всеми необходимыми умениями и навыками, о которых

говорилось выше. Но практика показала, что учить играть вдвоем нужно начинать с

самых

первых

шагов

обучения

игре

на

инструменте.

Поэтому

на

уроках

рекомендуется исполнять произведения, предназначенные дуэту учитель – ученик

(о них рассказывалось выше), а на занятиях музицирования – произведения для

учеников. Для первоклассников, не обладающих необходимыми исполнительским

навыками, рекомендуются

занятия в игровой форме, где оба ребенка вместе

должны будут выполнить задания, затем ритмические упражнения. Например:

- проговаривая слова песенки, прохлопать ритм;

- проговаривая слова, прошагать;

- шагать и хлопать ритм.

Такие

задания

можно

варьировать:

один

ребенок

шагает,

другой

прохлопывает слова песни и т.п. Конечно же, такие упражнения нравятся детям.

4

Научившимся извлекать звуки, предлагаются задания игры в унисон, вопрос

– ответ, и т.д., что может придумать педагог для интересного и увлекательного хода

урока. Так как для таких маленьких музыкантов

нет необходимого репертуара,

поможет, как уже говорилось, умение педагога переложить любое произведение на

ансамбль. Это могут быть попевки, детские песенки, народные мелодии знакомые

детям, очень яркие, выразительные, запоминающиеся. Ведь именно на начальном

этапе ставится задача добиться заинтересованности, восприимчивости, творческой

активности,

вовремя

и

правильно

развить

музыкальные

задатки

ребенка.

При

правильно спланированной работе маленькие участники ансамбля учатся слушать

музыку, исполнять произведения, переживать, вникать в образы. Такой репертуар

удобен

для

работы

с

детьми,

так

как

содержит

обобщенные

интонации,

ритмические

фигуры,

которые

развивают

слух,

и

очень

быстро

накапливается

репертуар. На начальном этапе, когда ученики еще не знают нот, попевки можно

разучивать на слух. Они обычно даются со словами, что очень помогает в развитии

ритма.

К сожалению, ощущается недостаток нотных сборников, учебных пособий

для дуэтов самых маленьких баянистов. Поэтому педагогам зачастую приходится

самим

придумывать,

оформлять,

подбирать

репертуар,

делать

доступные

переложения

музыкальных

произведений.

Важное

значение

в

этом

случае

приобретает умение педагога быстро переложить на ансамбль любое музыкальное

произведение.

Но

такая

работа

делает

обучение

интересным,

понятным

и

эффективным.

5

Ансамбль – это коллективная форма игры, в процессе которой несколько

музыкантов

исполнительскими

средствами

сообща

раскрывают

художественное

содержание

произведения.

Исполнение

в

ансамбле

предусматривает

не

только

умение играть вместе, здесь важно другое – чувствовать и творить вместе. Работа в

коллективе несомненно сопряжена с определенными трудностями: не так легко

научиться ощущать себя частью целого. В тоже время игра в ансамбле воспитывает

у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств – она дисциплинирует в

отношении

ритма,

дает

ощущение

нужного

темпа,

способствует

развитию

мелодического,

полифонического,

гармонического

слуха,

вырабатывает

уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении. Так известно, когда в

сольной игре ученик выступает неуверенно, заикаясь, поиграв в ансамбле – он уже

увереннее начинает играть. Более слабые учащиеся начинают подтягиваться до

уровня

более

сильных,

от

продолжительного

общения

друг

с

другом

каждый

становится

лучше

как

человек,

как

личность,

поскольку

воспитываются

такие

качества,

как

взаимопонимание,

взаимоуважение,

чувство

коллективизма.

Из

сказанного

можно

сделать

вывод

–

инструменталист,

никогда

не

игравший

в

ансамбле, многого лишает себя, ибо польза от этого рода занятий очевидна. Одно из

важнейших

условий

успешной

работы

является

способность

критически

относиться к себе и к своим товарищам. Известно, что слово «самокритика» легче

произнести, чем обратить его в действие. Но надо не только практиковать, но и не

скупиться на похвалу, уметь подбодрить, вдохновлять. Давно уже замечено, что

похвала, даже не вполне заслуженная, стимулирует активность большинства людей.

Ребенку необходима вера в себя. Основное правило ансамбля «Один за всех, все за

одного», «Успех или неудача одного есть успех или неудача всех».

Ритм как фактор ансамблевого единства

6

Среди

компонентов,

объединяющих

учащихся

в

единый

ансамбль,

метроритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает

ансамблистам (а их может быть два и более) играть вместе, чтобы создавалось

впечатление,

будто

играет

один

человек.

Это

ощущение

метро-ритма.

Он,

по

существу,

выполняет

функции

дирижера

в

ансамбле,

ощущение

каждым

участником

сильных

долей

есть

тот

«скрытый

дирижер»,

«жест»

которого

способствует объединению ансамблистов, а, значит, и их действий в одно целое.

Ощущение

сильных

и

слабых

долей

такта,

с

одной

стороны,

и

ритмическая

определенность

«внутри

такта»,

с

другой,

вот

тот

фундамент,

на

котором

основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания

является первым среди других важных условий. Если при неточности исполнения

остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при

нарушении

метроритма

рушится

ансамбль.

Но

не

только

в

этом

значение

метроритма.

Он

способен

влиять

и

на

техническую

сторону

исполнения.

Ритмическая

определенность

делает

игру

более

уверенной,

более

надежной

в

техническом

отношении.

К

тому

же,

ученик,

играющий

неритмично,

больше

подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая

дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения. Как же

добиться того, чтобы каждый из участников, исполняя свою партию, укреплял

ритмическую основу всего ансамбля? Необходимо систематически и настойчиво

работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у

которых по-разному развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства

абсолютного точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом

в общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически

устойчивые исполнители. Тогда и остальные начнут тянуться к более сильным в

ритмическом отношении.

7

Динамика как средство выразительности

Играя

в

ансамбле,

необходимо

быть

экономным

в

расходовании

динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того, что, как

бы ансамбль ни был бы богат яркими по тембру инструментами, одним из главных

его резервов, придающих звучанию гибкость и утонченность, является динамика.

Различные

элементы

музыкальной

фактуры

должны

звучать

на

разных

динамических уровнях. Как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если все

будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и задний

план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист безошибочно определит

силу звучания своей партии относительно других. В том случае, когда исполнитель,

в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его

партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или

тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной.

Как

практически

работать

над

динамикой

в

ансамбле.

Вначале

необходимо

научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно

ровно. Например, можно предложить сыграть всем участникам гамму на ровном P

(пиано), затем на ровном mf, и так следует пройти все динамические ступени.

Безусловно, сила звука – понятие не столь определенное, как высота звука mf на

гитаре не равно mf на фортепиано, f на балалайке – не одно и то же, что f на баяне.

Исполнитель должен воспитывать у себя развитый слух (микрослух), дополнив

динамику

понятием

микродинамики,

означающим

способность

регистрировать

малейшие отклонения в сторону увеличение или уменьшения силы звука.

Темп как средство выразительности

Определение

темпа

произведения

–

важный

момент

в

исполнительском

8

искусстве. Верно выбранный темп способствует правильной передаче характера

музыки, неверный темп в той или иной мере искажает этот характер. Хотя и

существуют

авторские

указания

темпа,

вплоть

до

определения

скорости

по

метроному, темп «заложен» в самой музыке. Еще Римский-Корсаков утверждал, что

«музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно Бах, как

правило,

в

своих

сочинениях

вовсе

не

указывал

темп.

В

пределах

одного

произведения темп может варьироваться. «Нет такого медленного темпа, в котором

бы не встречались места, требующие ускорения…и наоборот. Для определения

этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны быть

заложены в душе» (В. Тольба).

Приемы достижения синхронности ансамблевого звучания

Под

синхронностью

ансамблевого

звучания

следует

понимать

точность

совпадения

во

времени

сильных

и

слабых

долей

каждого

такта,

предельную

точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля.

При

рассмотрении

проблемы

синхронного

исполнения

нужно

выделить

три

момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение

вместе. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижера,

он обязан иногда показывать вступления, снятия, замедления. Сигнал к вступлению

- небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения

вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее

служит сигналом к вступлению. Кивок не всегда делается одинаково, все зависит от

характера и темпа исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-

за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте

9

при подъеме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием

затакта.

На

репетиции

можно

просчитывать

пустой

такт,

могут

быть

слова:

«Внимание,

приготовиться,

начали»,

после

слова

«начали»

должна

быть

естественная

пауза

(как

бы

вдох).

В

достижении

синхронности

ансамблевого

звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного,

волевого

плана

это

качество

достигается

быстрее,

чем

в

пьесах

спокойного

созерцательного характера. То же самое можно сказать и относительно «старта».

Вряд

ли

есть

необходимость

подчеркивать,

насколько

важно

закончить

произведение вместе, одновременно:

а)

последний

аккорд

–

имеет

определенную

длительность,

-

каждый

из

ансамблистов отсчитывает «про себя» метрические доли и снимает аккорд точно во

время;

б) аккорд – над которым стоит фермата, продолжительность которого необходимо

обусловить. Все это отрабатывается в процессе репетиции. Ориентиром снятия

может также быть и движение – кивок головы.

Если синхронность исполнителя – качество, необходимое в любом ансамбле,

то в еще большей степени оно необходимо в такой его разновидности как унисон.

Ведь в унисоне партии не дополняют друг друга, а дублируют, правда, иногда в

разных октавах, что не меняет сути дела.

Поэтому

недостатки

ансамбля

в

нем

еще

более

заметны.

Исполнение

в

унисон

требует

абсолютного

единства

–

метроритме,

динамике,

штрихах,

фразировке. С этой точки зрения унисон является самой сложной формой ансамбля.

Доказательством

абсолютного

единства

при

исполнении

в

унисон

является

ощущение,

что

во

время

игры

вместе

с

другими

учащимися

ваша

партия

не

10

прослушивается как самостоятельная. К сожалению, этой форме ансамблевой игры

уделяется мало внимания в учебной практике. Между тем в унисоне формируются

прочные навыки ансамбля, к тому же унисон интересен зрительно и в сценическом

отношении.

Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной

работы,

почувствует

радость

общего

порыва,

взаимной

поддержки

–

можно

считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат. Пусть это

исполнение еще далеко от совершенства – это не должно смущать педагога, все

можно

выправить

дальнейшей

работой.

Ценно

другое,

преодолен

рубеж,

разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес

совместного исполнительства.

Коллективный

характер

работы

при

разучивании,

работе

и

исполнении

произведений, общие цели и задачи, формирование сознательного отношения к

делу и чувство ответственности перед своим товарищем, делают класс ансамбля

увлекательной и эффективной формой учебно-воспитательного процесса.

11

Список использованной литературы

1. Агафонин П. Школа игры на шестиструнной гитаре. М., 1983.

2. Александров А. Школа игры на трехструнной домре. М., Музыка. 1990.

3. Готлиб А. Первые уроки ансамбля.

4. Ризоль Н. Очерки о работе в ансамбле. М. 1986.

5. Чунин В. Школа игры на трехструнной домре. М., "Советский композитор",1990.

12