Роль ансамблевой игры в реализации принципов

развивающего музыкального обучения.

Игра на фортепиано в четыре руки - вид совместного музицирования,

которым занимались во все времена при каждом удобном случае и на любом

уровне владения инструментом и который приносит ни с чем несравнимую

радость совместного творчества.

Как известно, ансамбль - это группа исполнителей, выступающих совместно.

Фортепианный дуэт начал интенсивно развиваться во второй половине 18

века с появлением молоточкового фортепиано и его новыми возможностями,

такими как: расширенный диапазон, способность постепенного увеличения и

уменьшения звучности, добавочный резонатор педали.

Этот инструмент таил в себе особые возможности при игре двух пианистов.

Значительно возрастала полнота и сила его звучания, открывались неведомые

регистровые

краски,

а

новый

гомофонный

стиль

музыки

в

этом

очень

нуждался.

К

началу

19

века

фортепианный

ансамбль

утвердился

как

полноправная

самостоятельная форма музицирования. Возникла богатая и разнообразная

литература. Для фортепиано в четыре руки писали почти все композиторы 19

и 20 столетия.

Ансамблевое

музицирование

обладает

огромными

развивающими

возможностями. Хорошо известно, что игра в ансамбле как нельзя лучше

дисциплинирует ритмику, совершенствует умение читать с листа, помогает

студенту выработать технические навыки, а также доставляет играющим

огромное удовольствие и радость, нередко большее, чем сольное исполнение.

Ансамблевое музицирование учит слушать партнёра, учит музыкальному

мышлению: это искусство вести диалог с партнёром, т.е. понимать друг

друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать.

Ансамбль - это коллективная форма игры, в процессе которой несколько

музыкантов

исполнительскими

средствами

сообща

раскрывают

художественное содержание произведения.

Игра в ансамбле представляет собой форму деятельности, открывающую

самые

благоприятные

возможности

для

всестороннего

и

широкого

ознакомления с музыкальной литературой.

Искусство ансамблевого исполнения основывается на умении исполнителя

соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский

стиль с индивидуальностью исполнения партнёра.

Исполнение в ансамбле предусматривает не только умение играть вместе,

здесь важно другое - чувствовать и творить вместе.

Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов

музыкального

слуха:

звуковысотного,

гармонического,

полифонического,

тембро-динамического.

Составляющие успешного ансамблевого исполнения

1. Ритм как фактор ансамблевого единства

Вообще,

игра

в

ансамбле

позволяет

успешно

вести

работу

по

развитию

ритмического

чувства.

Ритм

-

один

из

центральных

элементов

музыки.

Формирование чувства ритма - важнейшая задача педагога. Ритм в музыке -

категория не только времяизмерительная, но и эмоционально-выразительная

и художественно-смысловая.

Играя

вместе

с

преподавателем,

учащийся

находится

в

определённых

метроритмических

рамках.

Необходимость

"держать"

свой

ритм

делает

усвоение различных ритмических фигур более ограниченным.

Не

секрет,

что

иногда

учащиеся

исполняют

пьесы

со

значительными

темповыми

отклонениями,

что

может

деформировать

верное

ощущение

первоначального движения.

Ансамблевая игра не только даёт возможность диктовать правильный темп,

но и формирует у учащегося верное темповое ощущение.

Необходимо

найти

наиболее

выразительный

ритм,

добиться

точности

и

чёткости ритмического рисунка.

Определение темпа зависит от выбранной совместно единой ритмической

единицы

(формулы

общего

движения).

Эта

формула

имеет

при

игре

в

ансамбле большое значение, т.к. подчиняет частное целому и способствует

созданию у партнёров единого темпа.

Среди

компонентов,

объединяющих

учащихся

в

единый

ансамбль,

метроритму

принадлежит

едва

ли

не

главное

место.

Действительно,

что

помогает

участникам

ансамбля

играть

вместе,

чтобы

создавалось

впечатление, будто играет один человек? Это ощущение метроритма. Он, по

существу, выполняет функции дирижёра в ансамбле.

Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая

определенность «внутри такта», с другой - вот тот фундамент, на котором

основывается

искусство

ансамблевой

игры.

Единство,

синхронность

его

звучания является первым среди других важных условий.

Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только

общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится

ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на

техническую сторону исполнения.

Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в

техническом отношении. К тому же ученик, играющий неритмично, больше

подвержен

всякого

рода

случайностям,

а

от

случайности,

как

известно,

прямая

дорога

к

потере

психологического

равновесия,

к

зарождению

волнения.

Как же добиться того, чтобы каждый из участников ансамбля, исполняя свою

партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля?

Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В

ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых в разной степени

развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства абсолютного

точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом в

общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически

устойчивые

исполнители.

Тогда

и

остальные

начнут

тянуться

к

более

«сильным» в ритмическом отношении.

2.Динамика как средство выразительности

Играя

в

ансамбле,

необходимо

быть

экономным

в

расходовании

динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того,

что каким бы ярким по тембру ни был инструментальный ансамбль, одним из

главных

его

резервов,

придающих

звучанию

гибкость

и

утонченность,

является динамика.

Различные

элементы

музыкальной

фактуры

должны

звучать

на

разных

динамических уровнях. В музыке как в живописи, ничего не выйдет, если всё

будет иметь равную силу, не будет представлен передний и задний план.

Воспитав

такое

ощущение

динамики,

участник

ансамбля

безошибочно

определит силу звучания своей партии относительно других.

В том случае, когда исполнитель главной партии, сыграл чуть громче или

тише, его партнёр немедленно отреагирует и исполнит свою партию также

чуть громче или чуть тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы

точной.

3.Темп как средство выразительности

Определение

темпа

произведения

-

важный

момент

в

исполнительском

искусстве.

Верно

выбранный

темп,

способствует

правильной

передаче

характера

музыки,

неверный

темп

в

той

или

иной

мере

искажает

этот

характер. Темп «заложен» в самой музыке, хотя и существуют авторские

указания темпа, вплоть до определения скорости по метроному,

Ещё Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он

по музыке слышит темп». Не случайно И.С. Бах, как правило, в своих

сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп

может варьироваться.

4. Приёмы достижения синхронности ансамблевого звучания

Прежде всего, при ансамблевой игре мы учим синхронности исполнения.

Синхронность является одним из технических требований совместной игры.

Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля - единого

понимания

и

чувствования

партнёрами

темпа,

ритмического

пульса,

совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную

точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками

ансамбля, умения представить не только свою партию, но и другую.

Синхронность вступления и снятия звука достигается значительно легче,

если партнёры правильно чувствуют темп ещё до начала игры.

Музыка

начинается

уже

в

ауфтакте

и

в

короткие

мгновения

ему

предшествующие, когда учащиеся волевым усилием сосредотачивают своё

внимание на выполнении художественной задачи.

При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три

момента:

как

начать

пьесу

вместе,

как

играть

вместе

и

как

закончить

произведение

одновременно.

В

ансамбле

должен

быть

исполнитель,

выполняющий функции дирижера, он обязан иногда показывать вступления,

снятия, замедления.

Сигналом к вступлению может быть небольшой кивок головы, состоящий из

двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем - чёткого,

довольно резкого движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению.

С

этим

жестом

полезно

посоветовать

исполнителям

одновременно

взять

дыхание.

Кивок

не

всегда

делается

одинаково,

всё

зависит

от

характера

и

темпа

исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-за такта, то

сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при

подъёме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием

затакта.

На

репетиции

можно

просчитывать

пустой

такт,

могут

быть

слова:

«внимание,

приготовились,

начали»,

после

слова

«начали»

должна

быть

естественная пауза, как бы вдох.

Одновременность окончания имеет не меньшее значение. Последний аккорд

имеет определенную длительность, каждый из участников отсчитывает «про

себя» метрические доли и снимает аккорд точно вовремя.

Продолжительность

аккорда,

над

которым

стоит

фермата,

необходимо

обусловить.

Не

вместе

снятый

аккорд

производит

такое

же

неприятное

впечатление, как и не вместе взятый.

Всё это отрабатывается в процессе репетиций. Ориентиром снятия также

может быть движение - кивок головы.

В

достижении

синхронности

ансамблевого

звучания

многое

зависит

от

характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это

качество

достигается

быстрее,

чем

в

пьесах

спокойного

созерцательного

характера.

Репертуар для фортепианных ансамблей можно подразделить на специально

созданные оригинальные сочинения и переложения, ставящие своей целью

популяризацию

симфонической

музыки.

В

учебном

процессе

все

виды

фортепианного ансамбля и оба раздела их репертуара (концертные пьесы и

клавирные

переложения)

могут

быть

использованы

с

равным

успехом.

Оркестровые переложения – отличный материал для чтения с листа, занятий

для развития навыков быстрой ориентации в нотном тесте, для исполнения в

эскизе.

Оригинальные дуэтные пьесы и концертные транскрипции предназначаются

для публичных выступлений и поэтому требуют тщательной и завершённой

шлифовки

исполнения.

Изучение

этих

произведений

помогает

понять

разнообразные требования ансамбля, творчески обогащает исполнителей и

совершенствует их пианистическое мастерство.

Таким образом, можно сделать вывод, что роль ансамблевой игры при

обучении игре на фортепиано очень велика.

С

помощью

ансамблевого

музицирования

у

детей

лучше

развивается

гармонический слух и ритм, быстрее происходит освоение нотной грамоты и

развитие

понимания

строения

музыкальных

форм,

а

также,

повышается

мотивация

к

занятиям

музыкой,

вырабатывается

ответственность

и

сознательное отношение к делу.

Список использованной литературы

1.

Алексеев А. Методика обучения игре на фортепиано, "Музыка", 1978г.

2.

Готлиб А. Основы ансамблевой техники - Москва : Музыка, 1971

3.

Готлиб А. Первые уроки ансамбля, изд. «Музыка», Москва, 1965.

4.

Готлиб

А.

Заметки

о

фортепианном

ансамбле.

Музыкальное

исполнительство. Выпуск 8. М.,1973

5.

Нейгауз Г. Об искусстве фортепианной игры, Гос. муз. изд-во. 1958 г.

6.

Ризоль Н. Очерки о работе в ансамбле, М.: Советский композитор,

1979.

7.

Тимакин Е. Воспитание пианиста, М.: Советский композитор , 1989 г.